Духовная музыка – это произведение музыки, которое не предназначено для светских развлечений и мероприятий. Данный тип музыки носит религиозный характер и используется во время церковного богослужения. При звучании данные мелодии находят отклик в каждом человеке. Духовная музыка крепко связана с религиями всех наций. Тексты в музыке отличаются религиозным характером. Каждая традиция имеет свою духовную музыку.

В христианстве музыкальное творение делится на католический, протестантский и православный вид. К самым известным направлениям относятся хорап, псалм, секвенция, гимн и месса. В иудаизме духовное творение занимает немаловажное место.

Еще во время управления короля Давида духовная музыка звучала во время церковных служений. Каждым храм имел свой хор и оркестр. В исламе музыка возникла в 13 столетии в Индии. Впервые произведение называлось кавалли. Слова в музыке превозносили до небес могущество пророка Мохаммеда и Аллаха.

В период возникновения, такую музыку имели право сочинять только церковные служители. Потом духовную музыку начали сочинять известные композиторы. Композитор Мартин Лютер написал гимны и хорапы.


За эпохой Возрождения композиторы начали создавать мессы и реквиемы. К стилям духовной музыка относятся:

1. Псалмы представляют собой короткие музыкальные творения, созданные посредством текста Псалтыря. Псалмы относятся к античной духовной музыке. С 16 столетия псалмы применяются при погребении усопших. В 19 -20 столетиях псалмы начали сочинять Мендельсон, Гендель, Бах, Шуберт и Янченко. Популярные псалмы называются «симфонией псалмов».

2. Месса – это вокально – инструментальное творение, собранное католической литургией. Первую мессу написал Гийом де Машо в середине 14 столетия. В 19 столетии месса стала частью концертных выступлений, отделившись от богослужения. Мессу начали писать Бах, Бетховен, Моцарт и Шуберт. В 20 веке месса потеряла свою популярность.

3. Реквиемы – это заупокойная католическая месса. Самой первой реквиемой является канонический латинский текст Реквием Дюфаи. Первое сохранившее произведение – это «a capella», написанное Йоханессом Окегемом. С 18 века реквиемы стали частью духовной музыки.

4. Страсти – это драматическое творение, основанное на тексте Евангелии. Самые известные страсти написали Якоб Обрехт и Орландо Лассо. Жанр духовной музыки был популярен до 18 столетия. Страсти возродил Хуго Дистлер.

Вариант 2

Под этим термином понимается музыкальное направление, связанное с богослужением или частным выражением духовных потребностей и исканий верующих.


В разных религиях представления о духовной музыки существенно различаются.

В иудаизме музыка, исполняемая в синагоге, обычно связана с традициями страны, где она находится. Для синагогальной музыки  характерно использование хора. По поводу использования музыкальных инструментов (в частности, органа) в иудейской среде ведутся дискуссии.

Исламская духовная музыка, восхваляющая Аллаха, Мухаммеда и мусульманских святых зародилась в средневековой Индии, и носит название кавалли.

В христианстве наиболее распространенные ее жанры это – гимны, хоралы, псалмы, страсти и секвенция.

Из католических авторов можно упомянуть монахов Томмазо да Челано и Якопоне да Тоди. Позже духовную музыку начали сочинять и светские композиторы.

Для католической духовной музыки характерно обращение к теме богослужения. Одним из популярных жанров являлись мессы. Первым композитором, написавшим музыку, под которую идет литургия, был Гийом де Машо, живший в XIV веке. Однако в позапрошлом столетии мессы стали использоваться не только в храмах, но и исполняться на обычных концертах. К данному жанру обращались Бетховен, Моцарт, Шуберт и другие великие композиторы.

Популярным жанром были и реквиемы, которые изначально были частью заупокойной службы в церкви. Их писали Моцарт, Верди, Берлиоз и многие другие.   

Известным православным автором духовных песнопений был живший в V—VI веков в Византии Роман Сладкопевец. Он был автором многих кондаков (песнопений), используемых до сих пор в богослужении Православной церкви.


Для протестантской духовной музыки характерны хоралы и страсти. Страсти появились с XVII века. Целью их создателей было выразить религиозные чувства и переживания по поводу распятия Христа и других событий, описанных в Библии.

Распространенные жанры протестантской музыки это гимны, хоралы, псалмы и страсти.

Псалмы пишутся по принципам древних псалмов, содержащихся в библейской книге Псалтырь. К этому жанру обращались Мендельсон, Гендель, Бах и другие знаменитые композиторы.

5, 6, 7 класс

Духовная музыка

Духовная музыка

Источник: sochinite.ru

РУССКАЯ ДУХОВНАЯ МУЗЫКА. Церковное пение являлось единственной формой профессионального письменного музыкального искусства на Руси со времен принятия христианства и до конца 17 в. Вместе с христианством русские заимствовали из Византии систему церковного пения – осмогласие (восемь гласов) и систему его записи – невмы (по-русски – знаки, знамена, крюки; отсюда – знаменный распев). Поскольку древнейшие формы этой нотации точно не расшифровываются, открытым остается вопрос: переняла ли Русь церковное пение из Византии непосредственно или через посредство южнославянских стран.


евидно, однако, что к 15–16 вв. русский знаменный распев представлял собой вполне самобытное художественное явление. Полученными из Византии и устойчивыми принципами оставались: 1) строго вокальный характер церковного творчества (православный канон категорически исключает применение в церковной службе каких бы то ни было музыкальных инструментов); 2) теснейшая связь слова и звука, т.е. смысла и его интонационного воплощения – отсюда очень большое значение в православной службе не только пения (в старину говорили, например, «спеть обедню», «отпеть обедню», т.е. отслужить литургию), но и особого напевного чтения (в современной терминологии – «литургического речитатива»); 3) плавность, «поступенность» мелодического движения; 4) строчное строение целого – т.е. подчинение музыкальной композиции смысловой структуре текста, в оригинале часто стихотворного. При этом русская трактовка гласа отличалась от византийской: глас представлял собой не звукоряд, а сумму мелодических формул (попевок).

Древнерусское церковное пение, как и иконопись, было анонимно, но все же из письменных источников известны имена выдающихся мастеров 16–17 вв.; среди них – новгородцы братья Василий (в иночестве Варлаам) и Савва Роговы; Иван (в иночестве Исайя) Лукошко и Стефан Голыш с Урала; Иван Нос и Федор Крестьянин (т.е. Христианин), работавшие при дворе Ивана Грозного.


16 в. в Москве были основаны образцовые хоры – государевых и патриарших певчих дьяков. В это же время появляются варианты основного знаменного распева – большой распев, характеризовавшийся особенно протяженными мелизматическими мелодическими линиями; путевой и демественный распевы, имевшие каждый свою систему невменной записи; индивидуальные варианты отдельных песнопений или их групп, принадлежавшие данному мастеру, или местности, или монастырю («местные распевы», «монастырские распевы», «распев крестьянинов», «распев лукошков» и т.д.). Несколько позже, в 17 в., получают широкое распространение киевский, греческий, болгарский распевы, отчасти связанные с пением южных и юго-западных православных церквей, но приобретшие на Руси самостоятельные формы; для них типично более простое, симметричное строение, влияние песенной мелодики. В 16 в. возникло вполне оригинальное русское церковное многоголосие, разные формы которого носили названия: строчное, демественное и путевое. Для раннего многоголосия было характерно свободное сочетание горизонтальных линий голосов, а не четкая координация их по вертикали, как в западной музыке той эпохи. Развитие церковного пения и усложнение форм крюкового письма обусловили появление развернутых теоретических руководств, среди которых особенно выделяется созданная в 1680-х годах Азбука (Извещение о согласнейших пометах) старца Александра Мезенца.

С середины 17 в. наступает переломный период в русском церковно-певческом искусстве: постепенно утверждается новый стиль хорового многоголосия – «партес», распространяемый в Москве поначалу певцами украинского, белорусского и польского происхождения и основанный на элементарных приемах западноевропейского гармонического и полифонического письма.


остейшим видом партесного пения была гармонизация знаменных мелодий, наиболее сложным – хоровой концерт для большого числа голосов (в числе известных авторов – Василий Титов, Николай Калашников, Николай Бавыкин, Федор Редриков и др.). Одновременно начинает преобладать пятилинейная нотация, хотя довольно долго еще сохраняется крюковое письмо (старообрядцы пользуются им по сей день). Очень популярной становится духовный стих новой формации – псальма, или кант (на стихи как русские или церковнославянские, так и на переводные, обычно с польского), затем появляются и светские хоровые канты – исторические, военные, любовные, шуточные.

Хотя реформы Петра I непосредственно не затрагивали певческого искусства, глубокие изменения в жизни страны, и в том числе в строе церковной жизни, привели к тому, что 18 век стал периодом упадка церковного пения как национального искусства и как высокохудожественной системы. В больших городах, и прежде всего в Петербурге, пение все более секуляризируется, особенно во второй половине столетия, когда при дворе стали работать приглашенные итальянские мастера Бальдассаре Галуппи и Джузеппе Сарти: в числе прочего они писали музыку на православные тексты и обучали певчих Придворной капеллы (центрального хора страны, преобразованного из хора государевых дьяков), которые, наряду со службами, принимали участие в светских увеселениях и даже пели в опере. Однако в том же 18 в. и первой половине 19 в. автономно развивается на прежних началах старообрядческое певческое искусство; сохраняется старинное пение в больших соборах некоторых древних городов; складываются оригинальные распевы крупных монастырей.


В этот период (а нередко и позже) композиторское, авторское церковное творчество часто носило светский характер и даже перекрещивалось впрямую с оперным (известны, например, Херувимские песни на мотивы из опер Моцарта и других композиторов) и песенно-романсовым искусством. В конце 18 – начале 19 вв. стиль партесного пения сходит на нет и развивается жанр классицистского духовного концерта (по образцу западного мотета; собственно «концертом» в это время называлось развернутое хоровое произведение, которое заняло в воскресной и праздничной литургии место традиционных причастных стихов; в стиле концерта исполнялись и другие песнопения разных служб, преимущественно литургии). Наиболее плодовитым и ярким представителем этого жанра был управляющий Придворной капеллы Дмитрий Степанович Бортнянский (1751–1825), популярны также были концерты Максима Созонтовича Березовского (1745–1777), Степана Аникиевича Дегтярева (1766-1813), Артемия Лукьяновича Веделя (1767?–1808), Степана Ивановича Давыдова (1777–1825) и др. Большинство авторов духовной музыки данного периода училось в Италии или у итальянских мастеров в России.


Позже начинается период т.н. немецкого влияния на русскую духовную музыку, представленный деятельностью управляющего Придворной певческой капеллой Алексея Федоровича Львова (1798–1870, автора гимна Боже, царя храни) и его помощников (Гавриила Акимовича Ломакина, 1811–1885; Павла Максимовича Воротникова, 1810–1876 и др.), гармонизовавших в стиле протестантского хорала весь православный певческий обиход. По указу императора Николая I употребление этих гармонизаций предписывалось как обязательное для всех храмов России, изгонялось исполнение песнопений по рукописным «тетрадкам» и запрещалось печатать и исполнять в церкви какие-либо композиции без утверждения их директором Придворной капеллы. Указ надолго закрыл путь в церковное творчество профессиональным светским композиторам, и в эпоху быстрого развития национальной школы этот жанр оставался на периферии.

Однако уже к эпохе Бортнянского относятся первые попытки вернуться к настоящему «древнему пению», и сам Бортянский пытался его возродить в обработках старинных распевов. За ним последовал еще один сотрудник Придворной капеллы – протоиерей Петр Иванович Турчанинов (1779–1856). Созданная ими модель «гармонического пения» (т.е. многоголосного переложения традиционных мелодий по законам классической гармонии) использовалась в творчестве композиторов петербургской школы, таких, как упомянутые выше А.Ф.Львов, Г.А.Ломакин, а также Николай Иванович Бахметев (1807–1891), Григорий Федорович Львовский (1839–1894), Александр Андреевич Архангельский (1856–1924) и другие, вплоть до 20 в.


ея же возвращения к национальным основам, поисков «своей», «русской» гармонии и «своего» контрапункта получили сначала теоретическое обоснование в трудах В.Ф.Одоевского, протоиерея Дмитрия Васильевича Разумовского (1818–1889) и других авторов (преимущественно связанных с Москвой как хранительницей древних традиций), а затем в творческих опытах М.И.Глинки (в нескольких переложениях распевов, сделанных им в последние годы жизни), а начиная с рубежа 1880-х – в сочинениях и переложениях П.И.Чайковского, Н.А.Римского-Корсакова, А.К.Лядова, М.А.Балакирева, С.И.Танеева и других. Первоначально за основу бралась идея родства древних эпох в церковном пении западном и русском, т.е. композиторам предлагалась в качестве образца не итальянская или немецкая музыка новейшей эпохи, а старинная полифония эпохи Палестрины и особая, доклассическая модальная гармония той эпохи – т.н. строгий стиль (в частности, в этом стиле выполнен ряд переложений Глинки, Римского-Корсакова, Лядова, Танеева). Особое значение в исканиях национального церковного стиля заняла Литургия св. Иоанна Златоустого, соч. 41 П.И.Чайковского (1878) – хронологически первое духовное сочинение крупного русского композитора, напечатанное и исполненное в публичном концерте без разрешения Придворной капеллы (судебный процесс по поводу публикации этого сочинения привел к падению монополии капеллы, что послужило важным прецедентом для композиторов следующих поколений).


К началу 20 в. в русской духовной музыке сложилось т.н. «новое направление» (называемое иногда московской школой, школой Синодального училища церковного пения). Крупнейшими деятелями в историко-теоретической и организационно-практической областях движения были Степан Васильевич Смоленский (ученый-медиевист, композитор, директор Синодального училища и его реформатор) с сотрудниками, регенты московского Синодального хора (хора Большого Успенского собора Московского Кремля) Василий Сергеевич Орлов и Николай Михайлович Данилин. Среди композиторов, чьи духовные сочинения могут быть отнесены к «новому направлению», – С.В.Рахманинов, А.Т.Гречанинов, А.Д.Кастальский, П.Г. и А.Г.Чесноковы, Викт.С.Калинников, Александр Васильевич Никольский, Н.Н.Черепнин, Семен Викторович Панченко, а также М.М.Ипполитов-Иванов, В.И.Ребиков, Константин Николаевич Шведов, Н.С.Голованов, Николай Нилович и Павел Нилович Толстяковы, о.Дмитрий Васильевич Аллеманов, Дмитрий Моисеевич Яичков, Николай Иванович Компанейский, протоиерей Михаил Александрович Лисицын и др. Характерными чертами «нового направления» являлись: приложение к церковно-музыкальной композиции приемов народного музыкального мышления и опыта национальной композиторской школы; обращение к церковному уставу и предписываемым им певческим традициям; раскрепощение хоровой фактуры, ритма, гармонии от «школьных» норм и поиск средств, соответствующих формам национального церковного пения.

События 1917 насильственно прервали развитие русского церковного пения как современного искусства. Однако традиции поддерживались некоторыми музыкантами в России и в русском зарубежье. За рубежом продолжали сочинять церковные композиции А.Т.Гречанинов и Н.Н.Черепнин; среди регентов выделились Сергей Алексеевич Жаров, Николай Петрович Афонский, Петр Васильевич Спасский, Борис Михайлович Ледковский; среди ученых-исследователей (и одновременно композиторов) Иван Алексеевич фон Гарднер и Альберт Сван.

С конца 1980-х годов происходит возрождение церковно-певческого искусства в России: появляются во множестве новые коллективы, публикуются исследования, ряд композиторов обращается к духовным жанрам. Среди авторов, сочинения которых соответствуют требованиям православного богослужения, можно выделить диакона Сергея Зосимовича Трубачева, протоиерея Александра Ивановича Ведерникова, а также Владимира Ивановича Мартынова. Подавляющее же большинство современных композиций предназначается для духовных концертов, которые проводятся, как правило, в светских залах, но иногда и в храмах.

Источник: www.krugosvet.ru

 

Что такое духовная музыка определение краткоМузыкальная драматургия — развитие музыки.

 

 

    Музыкальная драматургия  – отражение музыкальных образов в движении, развитии,      взаимосплетении и борьбе противоречивых начал (противоречий).

 

    Способы развития музыки:

      1.     Повторение, повторы – трехчастная форма (АВА), форма рондо (АВАСАДА), куплетная форма.

      2.     Варьирование – вариационная форма, сонатная форма (разработка, реприза).

      

          Виды варьирования — секвенция, имитация.

 

    Секвенция  (от лат следование)перемещение мотива, повторение последовательности звуков на разной высоте, в восходящем или нисходящем направлении.

Имитация ( от лат. подражание) – повторение темы или мотива в другом голосе музыкального произведения (полифоническое изложение — канон или фуга).

 

 

 

Два направления музыкальной культуры.

 

Музыкальная культура развивалась во взаимодействии двух основных направлений: светского и духовного (церковного).

Светская музыка в своих истоках опиралась на народно-песенную, танцевальную культуру.

Духовная музыка всегда была связана с богослужением.

 

 

Духовная музыка.

   К  сфере духовной  музыки  относят  прежде всего вокальные  или  вокально-инструментальные произведения на тексты  религиозного характера,  исполняемые во время церковной службы

   Церковная музыка всегда обращена к темам Священного писания. Драматургия образов страдания, смерти, воскресения Христа является основой развития духовной музыки. В церковном обряде музыка и слово в единстве с другими видами искусства определяют целостность драматического действа, построенного на контрастах различных образов. В восточной, православной церкви это литургия и всенощная, венчание и молебен, в истоках которого лежит знаменный распев. В западной, католической церкви месса, реквием, страсти, кантаты и др. В их основе — хорал, многоголосное пение в сопровождении органа или оркестра.

   Религиозные сюжеты и формы церковной музыки преобладают в творчестве немецкого композитора И.-С. Баха и русского композитора М.Березовского. Бах чаще всего писал музыку для органа и хора, а Березовский — для хора a capella, Благодаря полифонии основная мысль каждого их сочинения получает глубокое и многогранное развитие. Содержание хора «Kyrie, eleison!» из «Высокой мессы» И.-С. Баха и 1-й части духовного концерта «Не отвержи мене во время старости» М.Березовского развертывается в совершенной полифонической форме — фуге.

 

Светская музыка.

 

Светская музыка — музыка, свободная от влияния церкви.

С XVI в. начинает развиваться камерная музыка (от лат. camera — комната). Так в отличие от церковной и театральной, называют инструментальную или вокальную музыку.  С середины XVIII в. активизируется светская концертная жизнь, свободная от влияния церкви. Увеличивается количество оркестров, ансамблевых и сольных концертов. В творчестве венских композиторов-классиков — Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. — сформировались классические виды  инструментального ансамбля — соната, трио, квартет и др.

 

Написанная для небольшого состава исполнителей, камерная музыка звучала в домашней обстановке или при дворах знатных вельмож. Исполнителей, работавших в придворных ансамблях, называли камер-музыкантами. Постепенно камерная музыка стала исполняться не только в узком кругу знатоков и любителей музыки, но и в больших концертных залах. 

 

Разнообразны камерные вокальные и инструментальные миниатюры композиторов-романтиков XIX в. К ним относятся песни Ф.Шуберта, фортепианные песни без слов Ф.Мендельсона, каприсы Н.Паганини, вальсы, ноктюрны, прелюдии, баллады Ф.Шопена, романсы М.И.Глинки, пьесы П.И.Чайковского и многое другое. 

 

 

Камерная инструментальная музыка

Этюд

 

Этюд (от фр. изучение, упражнение) — это пьеса, предназначенная для совершенствования техники игры на каком-либо инструменте. Это понятие встречается и в живописи: этюд — набросок, эскиз будущей картины.

В XIX веке с расцветом виртуозного исполнительства и усовершенствованием музыкальных инструментов развивается новый жанр — концертные этюды. Их технические трудности подчинены раскрытию художественного замысла композитора.

И сейчас популярны этюды композиторов-романтиков, искусство которых проникает во все уголки человеческого сердца.

Яркими представителями романтизма являются польский композитор Фредерик Шопен (1810-1849) и венгерский композитор Ференц Лист(1811-1886). Оба они были прекрасными пианистами. Шопен завоевал признание слушателей в светских салонах, а Лист — в больших концертных залах.

В этюдах Шопена звучит романтическая мечта о чувствах, возвышающих человека, — это и мысли о любви, и созерцание природы, и революционный пафос.

Лист стремился приблизить звучание фортепиано к звучанию оркестра. В его этюдах заложены принципы скрытой программности, образно-художественной живописной манеры изображения. Во времена Листа бытовало мнение о том, что многие этюды неисполнимы из-за их невероятной технической трудности.

 

Транскрипция

 

Термин транскрипция (от лат. переписывание) означает переработку, переложение музыкальных проиведений. Транскрипции появились в XVI-XVII вв. как переложение нотных текстов для исполнения на других инструментах. В XIX в. транскрипции стали одним из наиболее популярных концертно-виртуозных жанров, имеющих самостоятельное художественное значение.

С одной из транскрипций русского композитора XIX в. М. Балакирева вы уже знакомы. Это фортепианная пьеса, написанная на тему известного романса М.И.Глинки «Жаворонок»

Широкую популярность получили фортепианные транскрипции Ф.Листа. Его мастерство пианиста-виртуоза современники оценивали очень высоко. «Когда играет Лист, — говорил немецкий писатель Г.Гейне, — не думаешь больше о преодолеваемых трудностях, рояль исчезает, и нам раскрывается музыка». Он сделал переложения для фортепиано девяти симфоний Л.Бетховена. Лист писал: «Если я выполню свою задачу — сделать их доступными — на уровне искусного гравера или умного переводчика, то моя цель будет достигнута». Огромной популярностью пользовались этюды Листа по каприсам Паганини. Именно Лист привлек внимание Рахманинова, Лютославского к Капрису №»4 Паганини.

Лист боготворил музыку австрийского композитора Шуберта, видя в ней высшее выражение лирической поэзии в звуках. Среди фортепианных транскрипций Листа такие известные творения Шуберта, как «Лесной царь», «Серенада», «Форель», «Аве, Мария» и др.

 

 Известный итальянский пианист и педагог Ферруччо Бузони (1866-1924) продолжил традицию создания транскрипций, оказав значительное влияние на развитие пианистического искусства Европы. В своих транскрипциях он, так же как и Лист, обращался к сочинениям многих композиторов.

Исполнение Бузони сравнивалось то с творениями живописи, то с великими соборами. Слушая его, говорили о «красочных полотнах», «фресках», «звуковых скульптурах» в его «как из мрамора изваянной игре». В исполнении Бузони все производило впечатление гениальной импровизации — и в этом была его главная сила!

 

 

 Циклические формы инструментальной музыки

«Кончерто гроссо» А.Шнитке

 

Сюиты, инструментальные концерты, сонаты, симфонии относятся к циклическим формам музыки. К этим формам обращались как композиторы прошлого, так и наши современники.

Музыка выдающегося отечественного композитора А.Шнитке — это исповедь человека нового времени, вобравшего в себя опыт нескольких столетий — от XVII до XX в. Свободное совмещение прошлого и настоящего — особенность его музыки. Привлечение музыкальных цитат. полистилистика (намеренное соединение в одном произведении различных стилистических явлений) свойственны А.Шнитке. Благодаря этому обращение к музыке этого композитора расширяет наши представления о единстве мира и человеческой культуры.

Концерт для двух скрипок, клавесина и камерного оркестра А.Шнитке имеет старинное название «Concerto grosso» (в переводе с итал. — большой концерт). В этом концерте взаимоотношения между солистами и оркестром такие же, как в старинных инструментальных концертах Баха и Вивальди. Партии солистов не довлеют над оркестром, а подчинены какому-то высшему порядку, высшим взаимоотношениям с оркестром.

Свой концерт композитор посвятил своим друзьям и первым исполнителям этой музыки скрипачам Гидону Кремеру и Татьяне Гринденко. «Сочиняя концерт, я не только слышал их, но и видел, как они играют… Их сценическое поведение доставляет слушателям и зрителям эстетическое наслаждение».

Волевой, целеустремленной главной теме 5-й части композитор противопоставляет тему другого мира — злобного, враждебного. «Наплывы», искажающие звучание чистых тембров скрипки, воспринимаются слушателями как вторжение сил, противостоящих активности главной темы.

 

«Сюита в старинном стиле» А.Шнитке.

 

Сюита (от фр. ряд, последовательность) существует с XVI в. и относится к многочастным циклическим формам инструментальной музыки, так же как возникшие позднее соната и симфония. Сюиту можно  сравнить со сборником рассказов, в отличие от симфонии — более динамичной, цельной, подобной роману. Сюита состоит из нескольких самостоятельных частей — танцев, обычно контрастирующих между собой и объединенных общим художественным замыслом.

В 1-й половине XVIII в., когда клавирное искусство достигло своего расцвета, сюиты превратились в музыку для слушания. Их стали предварять прелюдии, в них включались инструментальные арии. Возникли сюиты, состоящие из программных пьес-картинок.

Во 2-й половине XVIII в., во времена Гайдна, Моцарта, Бетховена, сюита уже воспринималась как нечто старомодное. Хотя легкие развлекательные оркестровые сочинения венских классиков (дивертисменты, серенады) написаны в форме сюит, например знакомое вам «Рондо» из «Маленькой ночной серенады» В.А.Моцарта.

В XIX в. мода на сюиту возродилась. Русские композиторы XIX в. также сочиняли сюиты. Вам знакомы отдельные пьесы из фортепианной сюиты «Картинки с выставки» М.Мусоргского, симфонической сюиты «Шехерезада» Н.А. Римского-Корсакова, сюиты для оркестра «Моцартиана» П.И.Чайковского. У него же впервые появились сюиты из музыки балетов. Они стали звучать независимо от театра, как самостоятельные симфонические произведения. В XX в. возникли сюиты из кинофильмов. 

 

   — Г.П.Сергеева-Е.Д.Критская «Музыка» 7 класс;

Источник: musica.vladimirschool36.edusite.ru


Categories: Другое

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте, как обрабатываются ваши данные комментариев.